Curso de História para o 1º Ano do Ensino Médio
MÓDULO 13 – RENASCIMENTO E HUMANISMO
Aula 141 – Renascimento artístico: Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti e Rafael Sanzio
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| Dados de Catalogação na Publicação: NORAT, Markus Samuel Leite. Curso de história para o 1º ano do ensino médio. João Pessoa: Editora Norat, 2026. Livro Digital, Formato: HTML5, Tamanho: 132,4125 gigabytes (132.412.500 kbytes) . ISBN: 978-65-80808-16-8 | Cutter: N825c | CDD-907.12 | CDU-94(100)”-04/17″:373.5 . Palavras-chave: História, Ensino Médio, Pré-História, Civilizações Antigas, Mesopotâmia, Egito Antigo, Grécia Antiga, Roma Antiga, África Antiga, Reinos Africanos, Mundo Árabe-Muçulmano, Idade Média, Feudalismo, Antigo Regime, Monarquias Absolutistas, Renascimento, Humanismo, ENEM, Vestibulares. . TODOS OS DIREITOS RESERVADOS. É proibida a cópia total ou parcial desta obra, por qualquer forma ou qualquer meio. A violação dos direitos autorais é crime tipificado na Lei n. 9.610/98 e artigo 184 do Código Penal. |
Aula 141 – Renascimento artístico: Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti e Rafael Sanzio
Nesta aula vamos estudar o Renascimento artístico, com atenção especial a três artistas que se tornaram símbolos desse período, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti e Rafael Sanzio. Vamos entender em que condições a arte italiana se transformou entre os séculos XIV e XVI, como era a vida de um artista naquele tempo, quem pagava pelas obras e por quê, quais técnicas foram desenvolvidas e como cada um desses três mestres trabalhou, pensou e deixou marcas na história da arte. Veremos também as relações entre eles, os limites desse movimento e a maneira como suas ideias se espalharam pela Europa e chegaram até o Brasil.
Antes de falar dos três mestres, é preciso entender o que havia mudado na arte italiana. Na Idade Média, a maior parte das obras era feita para igrejas e mosteiros, tinha uma função religiosa muito clara e, em geral, quem as produzia era visto como um artesão, alguém que dominava uma técnica, como um ferreiro ou um carpinteiro. As figuras eram pintadas de maneira simbólica, com pouca preocupação em imitar o mundo visível, e o nome do autor muitas vezes nem era registrado. Com o crescimento das cidades, do comércio e da riqueza de banqueiros e mercadores, a situação começou a mudar. Cidades como Florença, Veneza, Milão e Roma passaram a disputar prestígio, e uma das maneiras de mostrar poder era contratar bons artistas para decorar igrejas, palácios, praças e túmulos.
Os artistas trabalhavam em oficinas, chamadas de bottegas, que funcionavam como pequenas empresas familiares. Um mestre dirigia o local, recebia encomendas, e jovens aprendizes entravam ainda crianças ou adolescentes, por volta dos doze ou treze anos, para aprender o ofício. No começo, preparavam tintas, limpavam pincéis e copiavam desenhos do mestre. Aos poucos, passavam a pintar partes das obras, como fundos, paisagens e panos de roupas, até que se tornassem capazes de assinar trabalhos próprios. As encomendas eram feitas por meio de contratos que podiam ser muito detalhados, indicando o tema, o tamanho, os materiais, o preço, os prazos e até a quantidade de ouro ou de pigmentos caros, como o azul feito de lápis lazúli, que seria usada. Isso mostra que a arte era, ao mesmo tempo, uma atividade criativa e um negócio.
A partir do século XV, essa condição social começou a se transformar. Pintores, escultores e arquitetos passaram a defender que seu trabalho não era apenas manual, mas também intelectual, pois exigia conhecimento de geometria, de anatomia, de história, de literatura e de filosofia. Por isso, muitos estudaram matemática, observaram o corpo humano com atenção e conviveram com poetas e humanistas. O artista passou a ser tratado como alguém dotado de talento especial, e em certos casos de gênio, e cresceu o hábito de assinar as obras e de escrever sobre elas. Um papel importante nessa mudança foi o de Giorgio Vasari, pintor e arquiteto que publicou em 1550 uma coletânea de biografias de artistas italianos, depois ampliada em 1568. Vasari ajudou a criar a ideia de que a arte italiana havia passado por uma fase de nascimento, uma de crescimento e uma de plena maturidade, e colocou Leonardo, Michelangelo e Rafael como pontos mais altos dessa história. Hoje sabemos que o livro tem exageros, histórias que não podem ser comprovadas e favoritismos, especialmente em relação a artistas de Florença, mas ele moldou durante séculos a maneira de pensar esse período.
Antes dos três mestres, houve uma geração que preparou o caminho. No início do século XV, em Florença, o arquiteto Filippo Brunelleschi desenvolveu as regras da perspectiva linear, uma técnica matemática que organiza as linhas de uma pintura de modo que elas convirjam para um ponto de fuga e criem a sensação de profundidade. O pintor Masaccio aplicou essa técnica e criou figuras com peso, volume e sombras coerentes. O escultor Donatello recuperou o interesse pelo corpo humano nu e produziu uma estátua em bronze de Davi, a primeira estátua de nu em tamanho natural feita na Europa desde a Antiguidade. Mais tarde, Sandro Botticelli pintou temas ligados à mitologia, como o Nascimento de Vênus, com linhas elegantes e delicadas. Foi sobre essas bases, a perspectiva, o estudo do corpo e o interesse pela cultura clássica, que Leonardo, Michelangelo e Rafael construíram sua obra.
Os historiadores chamam de Alto Renascimento o período que vai, aproximadamente, de 1490 a 1520, quando essas buscas chegaram a um grau muito elevado de equilíbrio, de domínio técnico e de ambição. Nesse tempo, o centro da vida artística se deslocou de Florença para Roma. Os papas, que governavam a cidade e os territórios da Igreja, queriam reafirmar seu poder e seu prestígio, e para isso reformaram palácios, decoraram capelas e iniciaram a reconstrução da basílica de São Pedro. Dois papas tiveram especial importância, Júlio II, que governou de 1503 a 1513, e Leão X, da família Medici, que governou de 1513 a 1521. Ambos gastaram somas enormes em obras, e foi nesse ambiente que Michelangelo e Rafael produziram algumas de suas criações mais conhecidas.
Vamos começar por Leonardo da Vinci. Ele nasceu em 15 de abril de 1452, em uma região próxima à pequena cidade de Vinci, na Toscana, e morreu em 2 de maio de 1519, na França. Era filho de um tabelião, ou seja, um notário, chamado Piero, e de uma jovem camponesa de nome Caterina. Como seus pais não eram casados, ele não pôde seguir a carreira do pai, algo que era comum para filhos nessa condição. Por volta dos catorze anos, foi enviado para Florença, onde entrou na oficina de Andrea del Verrocchio, um dos artistas mais completos da cidade, que trabalhava com pintura, escultura e ourivesaria. Nessa oficina, Leonardo aprendeu desenho, pintura, modelagem em argila, fundição de metais e muitos outros ofícios. Há uma tradição, contada por Vasari, de que o jovem Leonardo pintou um anjo em um quadro de Verrocchio, o Batismo de Cristo, e que o mestre ficou tão impressionado que teria decidido não pintar mais. Não se sabe se isso é verdade, mas o quadro realmente existe, e a figura do anjo mostra a delicadeza e o cuidado com a luz que marcaram sua obra.
Por volta de 1482, Leonardo foi para Milão, onde passou quase vinte anos a serviço de Ludovico Sforza, o governante da cidade. Em uma carta que ficou famosa, ele se apresentou ao duque principalmente como engenheiro militar, falando de pontes, canhões e máquinas de cerco, e só no final mencionou que também sabia pintar e esculpir. Isso mostra como a posição de artista dependia de ser útil a um príncipe. Em Milão, ele pintou obras como a Virgem dos Rochedos e o retrato conhecido como A Dama com Arminho, e planejou uma enorme estátua de um cavalo em bronze, que não chegou a ser fundida, porque o metal foi usado para fazer canhões quando a cidade foi ameaçada por tropas francesas.
A obra mais famosa desse período é a Última Ceia, pintada entre cerca de 1495 e 1498 na parede do refeitório do convento de Santa Maria das Graças, em Milão. A cena mostra o momento em que Jesus anuncia aos apóstolos que um deles o trairá. Leonardo organizou os doze discípulos em quatro grupos de três, cada um reagindo de maneira diferente, com gestos de surpresa, dúvida, espanto e protesto. Todas as linhas da arquitetura da sala pintada convergem para a cabeça de Jesus, que fica no centro, calmo e isolado, o que reforça sua importância. A obra é um exemplo claro de como a perspectiva pode servir não apenas para criar profundidade, mas também para guiar o olhar e expressar um sentido. Infelizmente, Leonardo não usou a técnica tradicional do afresco, em que a tinta é aplicada sobre o reboco ainda úmido e se funde com a parede. Ele quis experimentar uma mistura de materiais aplicados sobre a parede seca, para ter mais tempo de trabalhar e conseguir efeitos de luz mais delicados. O resultado foi que a pintura começou a se deteriorar em poucas décadas, e passou por muitas restaurações ao longo dos séculos, sendo que a última, concluída em 1999, durou mais de vinte anos.
Depois de 1499, quando os franceses tomaram Milão, Leonardo viajou por várias cidades. Em 1502, trabalhou como engenheiro militar para Cesare Bórgia, filho do papa Alexandre VI, e fez mapas e projetos de fortificações. Voltou a Florença, onde, por volta de 1503, começou a pintar o retrato que hoje chamamos de Mona Lisa. Acredita se que a mulher retratada seja Lisa Gherardini, esposa de um comerciante de tecidos chamado Francesco del Giocondo, e por isso a obra é conhecida na Itália como La Gioconda. Leonardo trabalhou nesse quadro durante anos e nunca o entregou à família, levando o consigo até a França, onde ele hoje faz parte da coleção do museu do Louvre. O que torna esse retrato especial é o uso da técnica chamada sfumato, palavra italiana que vem de fumaça. Trata se de aplicar camadas muito finas de tinta a óleo, quase transparentes, de modo que os contornos fiquem suaves, sem linhas duras, e as transições entre luz e sombra pareçam quase imperceptíveis. Esse efeito dá ao rosto uma expressão que parece mudar conforme o olhar do espectador, principalmente em volta da boca e dos olhos. Além disso, Leonardo usou a chamada perspectiva atmosférica, em que as paisagens mais distantes aparecem mais azuladas e menos nítidas, imitando o efeito do ar sobre a visão. Ainda em Florença, ele recebeu a encomenda de pintar uma cena de batalha, a Batalha de Anghiari, em uma parede do palácio do governo da cidade, mas a obra nunca foi concluída, porque ele testou uma técnica que não funcionou, e a pintura foi perdida.
Leonardo não foi apenas pintor. Ele deixou milhares de páginas de cadernos, escritos em grande parte com a mão esquerda, da direita para a esquerda, de modo que o texto só pode ser lido com a ajuda de um espelho. Nessas páginas, há estudos de anatomia, de botânica, de geologia, de hidráulica, de óptica, de mecânica e de voo. Ele observava o movimento da água em redemoinhos, o voo dos pássaros, o crescimento das plantas, as proporções do corpo humano. Segundo registros da época e a tradição, dissecou diversos cadáveres em hospitais para entender músculos, ossos, vasos e órgãos, e produziu desenhos de grande precisão, como os do feto no útero e os do coração. Um dos seus desenhos mais conhecidos é o chamado Homem Vitruviano, de cerca de 1490, que mostra um homem dentro de um círculo e de um quadrado, a partir de uma descrição das proporções ideais do corpo feita por um arquiteto romano, Vitrúvio. Também desenhou projetos de máquinas voadoras, de pontes, de armas e de instrumentos, mas a maioria não foi construída em sua época, e muitos desses projetos eram esboços de ideias, não máquinas prontas para funcionar. Hoje sabemos que seus escritos não circularam amplamente em vida e foram descobertos e estudados mais tarde, de modo que ele influenciou pouco a ciência de seu tempo, embora tenha sido um observador extraordinário. Em 1513, Leonardo foi para Roma por pouco tempo, e em 1516 aceitou o convite do rei Francisco I da França para viver em Amboise, perto do rio Loire, onde morreu três anos depois.
Passemos agora a Michelangelo Buonarroti. Ele nasceu em 6 de março de 1475, em Caprese, na Toscana, e morreu em Roma em 18 de fevereiro de 1564, com quase noventa anos, depois de uma vida longa e produtiva. Sua família tinha alguma posição social, e seu pai não gostou da ideia de ver o filho se tornar artista, que era visto como um trabalho manual. Mesmo assim, ainda adolescente ele entrou na oficina do pintor Domenico Ghirlandaio, em Florença, e depois estudou escultura em um jardim mantido pela família Medici, onde havia estátuas antigas. Lorenzo de Medici, chamado de o Magnífico, notou o talento do rapaz e o acolheu em seu palácio, onde ele conviveu com poetas e filósofos humanistas. Michelangelo sempre se considerou, antes de tudo, escultor, e acreditava que a figura já estava dentro do bloco de mármore, cabendo ao artista retirar o que estava sobrando para libertá la.
Sua primeira grande obra de repercussão foi a Pietà, esculpida em Roma entre 1498 e 1499 por encomenda de um cardeal francês. A palavra vem do italiano e significa piedade, e o tema é a Virgem Maria segurando no colo o corpo de seu filho morto. Michelangelo fez Maria muito jovem e serena, o que gerou comentários na época, e esculpiu o corpo de Cristo com grande naturalidade, com panos que parecem cair de verdade. Segundo Vasari, ao ouvir pessoas atribuírem a obra a outro escultor, Michelangelo foi à noite à igreja e gravou seu nome na faixa que atravessa o peito de Maria. É a única obra que ele assinou, e ela se encontra hoje na basílica de São Pedro.
De volta a Florença, em 1501, Michelangelo recebeu a encomenda de esculpir um Davi a partir de um enorme bloco de mármore de Carrara que outros escultores haviam começado a trabalhar e abandonado. Ele concluiu a estátua em 1504, com mais de quatro metros de altura. Em vez de mostrar Davi depois da vitória sobre o gigante Golias, como Donatello havia feito, Michelangelo escolheu o momento anterior, de concentração e tensão, com o rapaz de olhar fixo no inimigo, as veias das mãos salientes e o corpo em uma postura em que o peso se apoia mais em uma perna, chamada em italiano de contraposto. A obra foi colocada diante do palácio do governo e se tornou um símbolo da liberdade e da coragem da república florentina, que enfrentava inimigos poderosos. Como a imagem de um jovem nu, com tamanha força e beleza, ligava se diretamente ao ideal dos escultores gregos e romanos, a obra mostrava o interesse renascentista pelo corpo humano como objeto de admiração.
Em 1505, o papa Júlio II chamou Michelangelo a Roma para fazer o seu túmulo, um projeto gigantesco, com dezenas de estátuas. O plano nunca foi realizado como previsto, porque o papa mudou de ideia e depois morreu, e Michelangelo se frustrou muito, tendo gastado décadas retomando o projeto de forma reduzida. Dessa obra restou, por exemplo, a estátua de Moisés, que tem uma expressão de grande força. Enquanto isso, o papa lhe fez outra encomenda, a de pintar o teto da Capela Sistina, no Vaticano. Michelangelo recusou, dizendo que era escultor e não pintor, mas acabou cedendo. Entre 1508 e 1512, ele realizou um dos maiores conjuntos de pinturas da história. No teto, representou cenas do livro bíblico do Gênesis, desde a separação da luz e da escuridão até a embriaguez de Noé, e cercou essas cenas com profetas, sibilas, que eram figuras femininas da tradição antiga que previam o futuro, e jovens nus, formando um conjunto de mais de trezentas figuras. A cena mais conhecida é a Criação de Adão, em que o dedo de Deus quase toca o de Adão, num espaço mínimo cheio de tensão.
Ao contrário do que se costuma dizer, Michelangelo não pintou deitado de costas. Ele trabalhou em pé, sobre uma estrutura de andaimes que ele mesmo projetou, com a cabeça inclinada para trás por longos períodos, o que lhe causou grande cansaço. Pintou a técnica do afresco, em que o artista prepara apenas a área que conseguirá concluir em um dia, cobrindo a com uma camada fina de reboco fresco, e pinta sobre ela antes que seque. Isso exige planejamento muito preciso, pois depois de seca a parede não aceita correções fáceis. Ele chegou a escrever um poema reclamando do esforço, mostrando como a tarefa o desgastou. Mais de vinte anos depois, entre 1536 e 1541, voltou à Capela Sistina, já com o papa Paulo III, para pintar na parede do altar o Juízo Final, uma cena imensa em que Cristo julga os vivos e os mortos, cercado por santos e por figuras que sobem ao céu e descem ao inferno. A obra foi muito admirada, mas também criticada por causa da grande quantidade de corpos nus, e mais tarde, depois da morte de Michelangelo, alguns deles foram cobertos com panos pintados por outro artista.
Também na arquitetura Michelangelo foi importante. Em 1546, já idoso, assumiu a direção da obra da basílica de São Pedro e desenhou a grande cúpula, que seria concluída depois de sua morte, com algumas alterações. Projetou ainda a Biblioteca Laurenciana e uma capela funerária para os Medici em Florença, ambas com formas muito originais. Escreveu também poemas, muitos deles sobre amor, fé e a velhice, o que mostra sua sensibilidade. Seu estilo se caracteriza por figuras musculosas, em poses de grande energia, com expressão intensa, que os contemporâneos descreviam com a palavra italiana terribilità, algo como uma força que impressiona e até assusta. Ele deixou algumas esculturas sem acabamento, e discute se isso foi intencional ou resultado de interrupções e dificuldades. Seja como for, seu trabalho influenciou muitíssimo os artistas das gerações seguintes.
Vamos agora ao terceiro mestre, Rafael Sanzio. Ele nasceu em 6 de abril de 1483, em Urbino, uma pequena cidade que tinha uma corte refinada e culta, e morreu em Roma em 6 de abril de 1520, com apenas trinta e sete anos. Seu pai, Giovanni Santi, era pintor e poeta na corte, e foi quem lhe deu as primeiras lições. Ainda jovem, Rafael ficou órfão e passou a trabalhar na oficina de Pietro Perugino, um pintor importante, de quem aprendeu a compor cenas claras, com figuras bem distribuídas e um sentido de calma. Uma de suas primeiras obras de destaque foi o Casamento da Virgem, de 1504, que mostra a influência do mestre, mas já apresenta mais harmonia e profundidade.
Entre 1504 e 1508, Rafael viveu em Florença, onde estudou as obras de Leonardo e de Michelangelo, que estavam trabalhando na cidade. Dessa fase datam suas Madonas, pinturas da Virgem com o menino Jesus, que se tornaram muito populares pela doçura das expressões e pela organização das figuras, muitas vezes em forma de pirâmide, uma composição que ele aprendeu com Leonardo. Em 1508, foi chamado a Roma pelo papa Júlio II e recebeu a tarefa de decorar quatro salas do palácio do Vaticano, conhecidas como Estâncias. Na sala chamada Estância da Assinatura, feita entre 1509 e 1511, ele pintou uma série de afrescos que representam os grandes campos do saber, como a teologia, a poesia, a justiça e a filosofia.
O mais conhecido é a Escola de Atenas, que reúne em um grande espaço arquitetônico, com arcos e cúpulas, dezenas de filósofos, matemáticos e cientistas da Antiguidade, discutindo, ensinando e estudando. No centro estão Platão, que aponta para o alto, e Aristóteles, que estende a mão para a frente, gestos que simbolizam duas maneiras de entender o conhecimento, uma voltada para as ideias e outra para a observação do mundo concreto. Segundo a tradição, Rafael deu a alguns personagens os rostos de pessoas de seu tempo, e se diz que Platão teria traços de Leonardo e que a figura pensativa sentada na frente, representando o filósofo Heráclito, lembra Michelangelo, embora essas identificações sejam discutidas. Rafael também se incluiu no canto direito do afresco, olhando para fora da cena. A obra expressa muito bem o ideal humanista, ao reunir sábios antigos em um ambiente que lembra os edifícios romanos e ao mostrar que o pensamento e o debate são atividades dignas de admiração.
Rafael foi também retratista. Pintou, por exemplo, o papa Júlio II, o diplomata e escritor Baldassare Castiglione e o papa Leão X com dois cardeais. Seus retratos mostram não só a aparência, mas também o caráter das pessoas, com posturas naturais e expressões cuidadosamente observadas. Em obras religiosas como a Madona Sistina, de cerca de 1512, e a Transfiguração, que ele deixou inacabada ao morrer, mostrou grande domínio da composição e da expressão emocional. Seu estilo se caracteriza pela graça, pela clareza e pelo equilíbrio, qualidades que os italianos da época resumiam na palavra grazia. Além de pintor, Rafael foi arquiteto e, depois da morte de Bramante, em 1514, assumiu a direção da obra da basílica de São Pedro. Em 1515, o papa lhe deu a responsabilidade de supervisionar as antiguidades de Roma, e ele chegou a propor um levantamento sistemático das ruínas da cidade, o que mostra o grau de interesse pela Antiguidade. Para decorar a Capela Sistina, ele desenhou também modelos de tapeçarias com cenas da vida de apóstolos, que foram tecidas em Flandres.
Um ponto importante do trabalho de Rafael é que ele coordenava uma oficina muito grande, com muitos auxiliares, entre eles Giulio Romano, que executavam partes das obras a partir de seus desenhos. Ele também colaborou com o gravador Marcantonio Raimondi, que reproduzia suas composições em gravuras, vendidas em muitas cidades, o que ajudou a divulgar seu estilo pela Europa. Rafael morreu de repente, depois de uma febre, e foi enterrado no Panteão de Roma, o antigo templo romano transformado em igreja, o que mostrava a admiração que tinha conquistado.
Quando comparamos os três artistas, percebemos que eles tinham temperamentos e interesses muito diferentes. Leonardo era movido pela curiosidade e pela observação da natureza, concluiu poucas obras e preferia investigar, experimentar e desenhar. Michelangelo era intenso e exigente, via no corpo humano a expressão máxima da arte e criou obras de grande força emocional e de grande dimensão. Rafael era sociável, organizado, produtivo e capaz de combinar o que aprendia de outros artistas em obras equilibradas e de grande clareza. Mesmo assim, houve influência mútua. Leonardo e Michelangelo estiveram ao mesmo tempo em Florença por volta de 1504 e 1505, e receberam do governo da cidade a encomenda de pintar duas batalhas em paredes do mesmo salão, o que gerou comparações e rivalidades, embora nenhuma das duas obras tenha sido terminada. Rafael observou os dois com atenção e incorporou à sua pintura o equilíbrio das composições de Leonardo e a força das figuras de Michelangelo. Os três, apesar das diferenças, compartilharam alguns elementos centrais, como o interesse pela anatomia, o domínio da perspectiva, a valorização do desenho, a busca de harmonia e o diálogo com a Antiguidade clássica.
Vale lembrar também que o Renascimento artístico não se limitou a esses três nomes. Em Veneza, pintores como Ticiano, Giorgione e Giovanni Bellini valorizaram a cor e a luz de uma maneira diferente da florentina, e deram grande importância à pintura a óleo sobre tela. No norte da Europa, Albrecht Dürer, da Alemanha, viajou à Itália, estudou proporções e perspectiva e divulgou suas ideias por meio de gravuras. Nos Países Baixos, artistas como Jan van Eyck, em uma fase anterior, e depois Pieter Bruegel, trabalharam com grande atenção aos detalhes e à vida cotidiana. Houve ainda artistas mulheres, embora em número bem menor, porque raramente podiam entrar em oficinas ou estudar o corpo humano. Sofonisba Anguissola, de Cremona, ficou conhecida por seus retratos e chegou a trabalhar na corte espanhola, e Artemisia Gentileschi, que viveu mais tarde, tornou se uma pintora respeitada.
É importante também apontar os limites desse movimento. A arte renascentista dependia dos poderosos, e os artistas muitas vezes tinham de ceder aos desejos de papas, príncipes e banqueiros, como se vê na história do túmulo de Júlio II. As grandes obras que conhecemos eram acessíveis sobretudo a uma pequena parte da população, que podia entrar nos palácios e nas capelas importantes, e a maioria das pessoas vivia ainda em contato com formas de arte populares, ligadas às festas e às igrejas locais. Além disso, a era de ouro do Alto Renascimento durou pouco tempo. Em 1527, tropas do imperador Carlos V saquearam Roma, e o impacto desse episódio, junto com os conflitos religiosos provocados pela Reforma Protestante, mudou o clima cultural. Nas décadas seguintes, surgiram novos estilos, como o maneirismo, que exagerava as proporções e as poses, e, depois, o barroco, mais dramático e voltado para a emoção.
A influência desses artistas se prolongou por séculos. Academias de arte europeias, a partir do século XVI, passaram a ensinar o desenho e a composição tendo as obras de Rafael e Michelangelo como modelos, e as cópias e gravuras de suas obras circularam por muitos países, inclusive Portugal. No Brasil colonial, as igrejas e os conventos recebiam livros, gravuras e imagens vindas da Europa, que serviam de referência para pintores e escultores locais, muitos deles mestiços e africanos escravizados ou libertos, que adaptaram esses modelos ao seu próprio modo de trabalhar. Assim, mesmo que o Brasil não tenha tido um Renascimento no sentido italiano, os ecos dessa tradição chegaram até aqui por meio da arte religiosa e do ensino artístico.
Para resumir, o Renascimento artístico foi um período de grandes transformações na pintura, na escultura e na arquitetura, ligado ao crescimento das cidades, à riqueza de comerciantes e banqueiros, ao mecenato de papas e príncipes e ao interesse humanista pela Antiguidade clássica. A perspectiva, o estudo do corpo humano, o uso da tinta a óleo e a valorização do artista como alguém dotado de saber e talento marcaram esse movimento. No Alto Renascimento, entre cerca de 1490 e 1520, Leonardo da Vinci uniu arte e investigação da natureza e criou obras como a Última Ceia e a Mona Lisa, empregando o sfumato e a perspectiva atmosférica. Michelangelo, em esculturas como a Pietà e o Davi e em pinturas como o teto da Capela Sistina e o Juízo Final, mostrou a força e a expressividade do corpo humano. Rafael, com a Escola de Atenas, suas Madonas e seus retratos, alcançou um equilíbrio e uma clareza que se tornaram modelo para gerações. Ao mesmo tempo, o movimento teve limites, dependia de poucos patrocinadores, excluía a maior parte das mulheres e da população pobre, e foi interrompido por guerras e conflitos religiosos.